Alex y Alexandra

Ohhhh sexy yeah...?, Lo ridículo del estereotipo

Resumen sobre lectura "Hacia un nuevo espectador en el siglo XXI"

Universidad central del ecuador

Cuestiones de arte contemporáneo

Resumen sobre lectura

Gledys Riera Macias

10/11/2011

Resumen sobre lectura “Hacia un nuevo espectador en el siglo XXI”

¿Cuándo hay arte?

En el arte los paradigmas establecen límites para establecer que es arte y que no es y a la vez nos permite saber donde podemos realizar la ruptura con lo paradigmático. Duchamp sería el primero en hacer esta ruptura al dar significado a algo que hasta ese momento no había sido tomado por el arte y empieza a explorar el placer en el sentido teorético.

El artista y el espectador entraran en la búsqueda de un nuevo tipo de estímulo, el placer racional, esto abriría el campo para el trabajo de nuevos artistas y para la ruptura brutal con el arte producido hasta ese momento, ahora lo extraordinario pasaría a formar parte de lo ordinario, y lo cotidiano se convertiría en objeto estético para los nuevos espectadores.

Para Heidegger, el ser debe ser pensado como aquejado de una falta, por ello sostendrá que el ser no está dado sino que es algo que se va haciendo, es un proyecto y un evento, el ser se encuentra arrojado al mundo sin haberlo escogido pero tiene la posibilidad de trascendencia.

En la obra de arte se encuentra el arte y el artista y es lo que se presenta ante los demás, de este modo es un soporte para múltiples significaciones, es así como muchos elementos hasta los que no fueron construidos por el artista al formar parte del mundo del arte, pasan a decir muchas cosas más.

Heidegger hace una diferencia entre la cosa y lo útil, captamos lo que es útil en su funcionamiento y este se diferencia de la obra de arte debido a la autonomía de la que carece el útil, pero ambas son hechas por el hombre, lo que hace que la obra esté entre este último y la cosa, con la cosa comparte el no tener una finalidad en tanto no sirva para otra cosa.

De esta reflexión sobre el útil, Heidegger llega al análisis de que la esencia del útil, radica en su ser de confianza con nosotros, es decir la seguridad que nos brinda, la obra de arte devela la verdad, nos muestra lo que permanece, la esencia y la verdad en este caso es develar la esencia del útil.

Podemos entonces responder que hay arte si la obra comprende con características como, ser alegoría, ser símbolo, abrir un mundo, ser apertura de la verdad. Por otro lado tenemos el ocultar de la obra, el physis, que hace que los entes estén ahí, es en este aparecer y ocultar que la verdad acontece, el arte funda la verdad.

El marco sociológico. La institución arte

Para Danto el arte solo termina cuando hablamos sobre la historia del arte, refiriéndonos a la plasmación periódica, el arte en la actualidad se caracteriza por ser poshistórico.

Cualquier objeto podría ser una obra de arte pero no cualquiera lo es, al menos que sea dentro de una aceptación teórico reflexiva, necesita hacer referencia a una comprensión particular del fenómeno, es un signo.

Para Dickie, el artista que proviene de la institución arte es quien confiere al objeto su estatuto de obra de arte, para él, el ready made de Duchamp es un objeto que ha sido complejizado al haber sido escogido de los objetos simples por el artista, después cambiaría de opinión sobre el estatus de la obra arte al incluir en este circuito al público, que es el que integra el mundo del arte.

Como es en el caso del arte contemporáneo, por ejemplo los ready made, el espectador necesita ser guiado a través de una aclaración sobre lo que se está presentando como obra de arte, de manera que se pueda iniciar un diálogo con la propuesta del artista que crea y presenta su obra, así podría comprender también que las obras de arte son expresiones de los diferentes momentos culturales.

2iPM009 - Eric et moi dormant

Universidad central del ecuador

Análisis de dos obras según sus contenidos

2iPM009 – Eric et moi dormant

Gledys Macias

17/11/2011

Análisis de la obra “Eric et moi dormant” de Santiago Reyes en la IX Bienal de Cuenca y de la obra 2iPM009 de Magdalena Fernández en la X Bienal de Cuenca, de acuerdo al texto el Ademán de dirigir nubes.

1. Contenido que emana del aspecto de la obra de arte entendida como representacional.

En el caso de esta obra creo que es fácilmente asociable con nuestro imaginario de la lluvia y el entorno las imágenes y los sonidos se conjugan armoniosamente para trasladar al espectador a la idea en su mente de la lluvia, es decir que en el imaginario colectivo la obra se entiende en cualquier contexto, al menos en el contenido primario que yo entiendo.

2. Contenido que emana de los suplementos verbales proporcionados por el artista.

El título de esta obra me causo confusión puesto que no entiendo a que se refiere con 2iPM009, me es difícil asociar un posible juego de palabras con la obra, posiblemente el significado de la obra sea aún más extenso con este título e inclusive puede que cambie totalmente lo que hasta este entonces creí que era, pero en todo caso de ser así aún no lo he comprendido.

3. Contenido que procede del género o medio de la obra de arte.

De este contenido puedo decir que se corresponde con lo que en ese momento y aún en la actualidad se produce, el video y el sonido juegan un papel particular en la estimulación del subconsciente y se puede tener resultados realmente impresionantes, el hecho de poder experimentar algo así sin la necesidad de la intervención de la naturaleza más que en las impresiones corpóreas que nos ha dejado es lo meritorio de un trabajo tan fascinante.

4. Contenido que proviene del material en el que está hecha la obra.

Este contenido lo puedo relacionar con el anterior ya que los materiales son contemporáneos, el uso de lo digital y lo acústico para atrapar al espectador marca una de las tendencias actuales en el quehacer artístico, el traer a la mente las sensaciones naturales externas a través de un medio artificial me produce una motivación y una guía para saber hacia qué dirección quisiera encaminar mi trabajo.

5. Contenido que emana de la escala de la obra de arte.

La obra posee la escala suficiente para causar el efecto deseado, ya que también hay que tomar en cuenta los posibles espacios destinados para la exhibición, la facilidad del video nos permite adaptar nuestro proyectos a un sin número de espacios, por lo cual su uso es también práctico, además de ello este trabajo contaba con una proyección destinada a envolver al espectador, se la realizó en tres paredes de una sala de 4 lo causa un efecto aún más dinámico al alcanzar todo el marco visor de nuestros ojos.

6. Contenido que proviene de la duración temporal de la obra.

Su duración era relativamente corta, pero tenía el potencial de reactivar la sensación de un fenómeno que transita nuestro cotidiano y nuestra temporalidad, es evocativa de algo que está fuera de nuestro control y ha acontecido en la memoria de los seres desde el principio de nuestro tiempos.

7. Contenido que se deriva del contexto de la obra.

En nuestro contexto colectivo y en nuestro contextos particulares, considero que la obra es muy fácil de asimilar por cualquiera que la perciba al hacer referencia a un hecho tan universal, independientemente de la zona en la que nos encontremos creo que la idea de la lluvia es comprensible en la ideología de muchas personas indistintamente de la interpretación personal que cada uno le de.

8. Contenido que proviene de la relación de la obra con la  historia del arte.

En este aspecto creo que la historia del arte no tiene tanta trascendencia para la interpretación de este trabajo, si bien este fenómeno ha sido abarcado en la ideología de todas las culturas, es algo que es atemporal y más bien serían trabajos como estos los que hagan que ciertos eventos trasciendan a planos que antes era del dominio de los seres.

9. Contenido que acumula la obra según revela progresivamente su  destino a través de su permanencia en el tiempo.

Por lo que he aprendido del arte, este siempre está en movimiento y se alimenta con el pasar del tiempo de toda la interacción que se produce a su alrededor, pero el poder llevar a un medio como el tecnológico los fenómenos naturales da el pie para poder reinterpretar la naturaleza de un modo totalmente diferente, las impresiones que quedan en nuestra memoria a través de las sensaciones táctiles, visuales, auditivas, etc., muy posiblemente con el pasar del tiempo tendrán una connotación absolutamente diferente a las que tenemos ahora.

10.Contenido que emana de la participación en una tradición  iconográfica específica.

Es una obra que traspasa todos los imaginarios colectivos, la simbología, las lenguas, etc., es algo tan trascendental que toda cultura en algún momento determinado ha reflexionado o ha entrado en contacto con ello, para muchos puede ser símbolo de destrucción, para otros de vida, para otros de lo divino, para otros de la naturaleza y con este trabajo para muchos una nueva resignificación de que es en realidad lo que percibimos como naturaleza

11.Contenido que surge directamente de las propiedades formales de la obra.

Como todo aspecto metafórico, está sujeto a las percepciones de quién lo interpreta, si devela algún contenido radicalmente diferente al que yo percibo no lo sé, pero en mi caso su aspecto formal me devela el contenido del alcance que se puede tener cuando se manejan otros elementos sensitivos como en este caso la imagen y el sonido, para producir un efecto similar al que podríamos experimentar en la denominada naturaleza, además que puedo observar una fragmentación de algo mucho más grande, por ejemplo tengo el estímulo visual y el auditivo, pero mi mente se encarga de reproducir el efecto táctil que podría incrementar el potencial de la obra artística.

12.Contenido que proviene de los gestos y actitudes (agudeza, ironía, parodia, etc.) que pueden aparecer como cualificadores de cualquiera de las categorías ya mencionadas.

Por un comentario que escuché, el sonido que tiene la obra fue realizado por la combinación de aplausos y chasquidos, además de tambores, lo que ya de por sí recrea en mí el aspecto onírico de la danza de la lluvia que realizan muchas culturas, así que este aspecto podría potenciar aún más el impacto de la obra, es un trabajo que dialoga en todos los sentidos, dialoga con la historia, con la cultura, con el imaginario, es más se alimenta de él para que en el colectivo, esta retroalimentación sea devuelta inclusive a través del lenguaje.

13. Contenido enraizado en respuestas biológicas o fisiológicas o en  la conciencia cognoscitiva de ellas.

En lo particular a mí me produjo una respuesta emocional que está conectada a lo que para mí es el sentir este fenómeno, la lluvia y su representación a lo largo de mi bagaje por la vida, produce respuestas innatas que solo me pertenecen a mí, pero sin duda si produce una respuesta biológica muy condicionada a lo emocional en mi corporeidad.

Análisis general

Al haber desglosado la obra en todos estos contenidos pude reflexionar sobre la posible problemática de la misma, y a mi punto de vita este trabajo nos habla sobre la percepción de lo que tenemos o teníamos de lo natural y lo artificial, si bien es lo segundo surgió en algún momento de lo primero, ahora lo primero sustenta en la memoria del imaginario colectivo lo segundo, por ejemplo, una impresión sensitiva que nos deja la naturaleza la podemos recrear en un medio artificial como es un laboratorio, así las impresiones de la lluvia, la sequía, etc., podrían ser experimentadas por alguien en cualquier momento y en cualquier lugar, cambiando así lo que percibimos como “de la naturaleza”, ya que en sí la misma concepción de naturaleza es producto de nuestro imaginario y como otro punto a reflexionar, lo que hemos aprendido de la naturaleza se debe en gran medida a la capacidad que hemos tenido para transmitir nuestras memorias por un medio artificial como es la escritura, la pintura, el video, etc., es así que en esta obra podemos reflexionar sobre aquello que consideramos que solo nos puede producir la naturaleza y aquello que consideramos solo nos puede producir los seres.

En segundo lugar el referente al contexto cultural y al imaginario colectivo tanto como al particular, es aún más extenso, ¿Qué cultura no ha entrado en contacto con la lluvia?, ninguna, su idea es universal, y aún más, ha sido como todo fenómeno natural interpretado de tantos puntos de vista como seres existen en este mundo, lo efímero y eterno de su duración, lo benevolente y lo destructivo de su poder, etc., no son más que producto de ese contacto continuo con ella. Y de ser su sonido producto de estos chasquidos y tambores, su potencial se continúa aún más, hará si referencia y reflexión sobre lo que no podemos ver pero si podemos sentir, lo que se oculta pero está presente y de manifiesto en todo su ser.

1. Contenido que emana del aspecto de la obra de arte entendida como representacional.

Indudablemente el amor, el afecto son entes reconocibles en todas las culturas del mundo, no se necesita indagar demasiado en la imagen para entender lo que nos quiere representar, además de otro detalle incluido en la fotografía (a mi parecer el que más afectó al machismo cuencano), la camiseta de la selección, si hay algo que definitivamente tiene una carga simbólica fácilmente reconocible es una camiseta de futbol.

2. Contenido que emana de los suplementos verbales proporcionados por el artista.

Al respecto del suplemento verbal, es este caso el título, es sumamente simple, sin ninguna otra connotación más que la identidad de quien se encuentra en la imagen, además de que contiene un afirmación sobre un acto por demás común e imposible de censurar, el dormir, claro que en ello, surge un problema aún mayor, hacer cotidiano y natural algo visto como antinatural y fuera de todo margen, es decir vestir de “normalidad” lo que no por defecto del concepto “normal” no encajaría.

3. Contenido que procede del género o medio de la obra de arte.

La fotografía como prueba fehaciente de la realidad ha sido tomada por muchos artistas como medio de expresión artística, en este caso Santiago Reyes hace lo mismo pero al parecer mostró una realidad que incomoda, sin mencionar el hecho de que la imagen debía cumplir un rol en una valla publicitaria, del cual fue despojado, por la evidente homofobia de algunos grupos sociales ignorantes.

4. Contenido que proviene del material en el que está hecha la obra.

El material utilizado fue la impresión, específica para una valla publicitaria, al cambiar su entorno en la exposición causo un impacto diferente, puesto que no fue diseñada para ese lugar, afortunadamente la obra ya habría cobrado cuerpo en su visualidad para defenderse por sí misma.

5. Contenido que emana de la escala de la obra de arte.

La escala definitivamente jugó un papel importante, planteada en este tamaño al comienzo por los requerimientos del lugar específico en que hiba a ser exhibida y trasladada después por razones estúpidas, no dejó de anonadar a quienes la pudieron observar, por lo general las escalas enormes dejan una huella en la retina muy difícil de borrar, no en vano se debe utilizar en publicidad, la capacidad de captación de la atención del espectador es inmediata.

6. Contenido que proviene de la duración temporal de la obra.

Un detalle curioso con esta obra, fue precisamente que debido a la homofobia que pesó sobre ella, su temporalidad se extendió mucho más allá de lo que se planteó, la noticia de que una obra fue censurada, aportó un plus extra al trabajo, tanto así que inclusive traspasó fronteras nacionales, como internacionales y ahora que este hecho se volvió del dominio público, creó en el colectivo una huella que poco a poco la seguirá alimentando, permitiéndole durar aún más a través de la temporalidad.

7. Contenido que se deriva del contexto de la obra.

El contexto de la obra marca una realidad que muchos quisieran ignorar, pero como toda verdad siempre saldrá y ocupará el lugar que le corresponde, el tema de la homosexualidad en Ecuador aún causa furor en mucho grupos fanáticos, que no pueden dejar de lado sus prejuicios e ignorancia, lo cual hace que la obra marque un hito en el contexto al desafiarlo vivamente, en varios casos esto la hará parte del mismo o producirá que la obra artística sea asimilada de tal forma que se convierta en invisible.

8. Contenido que proviene de la relación de la obra con la  historia del arte.

El tema de la homosexualidad ha sido representado desde que el hombre aprendió a interpretar lo que veía, para después plasmarlo físicamente a través de diversos materiales, es indudable que el tema ha sido un eje transversal en la historia del arte, de la humanidad, economía, etc., puede que las formas de representación cambien, más el contenido real, la sustancia, permanecerán presentes a través del tiempo.

9. Contenido que acumula la obra según revela progresivamente su  destino a través de su permanencia en el tiempo.

Debido al incidente de la censura, la obra de Santiago Reyes, será un hito para otros artistas que desean hacer arte con una referencia autobiográfica, lo que le permitirá al trabajo alimentarse aún más  a través del tiempo.

10.Contenido que emana de la participación en una tradición  iconográfica específica.

Desconozco en realidad si participa de alguna tradición iconográfica, a más de las representaciones homoeróticas, pues que en si la obra es sumamente ligera en su contenido sexual, y está sumamente menguada a un tocas de las manos, de igual manera no conozco de otras representaciones en las que usen camisetas de selecciones deportivas, que en nuestro contexto tiene un peso realmente grande.

11.Contenido que surge directamente de las propiedades formales de la obra.

Respecto a lo formal, la obra es muy sencilla compositivamente, es de fácil lectura y va enfocada en un solo punto de vista, directa y al punto, es más como una postal, en la cual se ve otra escena de la que estamos siempre acostumbrados.

12.Contenido que proviene de los gestos y actitudes (agudeza, ironía, parodia, etc.) que pueden aparecer como cualificadores de cualquiera de las categorías ya mencionadas.

En este punto es muy gracioso observar como un pequeño gesto causó tanta polémica, de las representaciones de la cotidianidad homosexual, estoy convencido que esta es una de las más inocentes en el sentido de la carga erótica, pero en definitiva el gesto que sugiere algo más entre los dos, provocó una reacción inmediata en el observador homofóbico, además del hecho de la indignación que generó de que uno porte su tan valiosa camiseta de la selección, me hace pensar que es un símbolo de le virilidad de los hombres ecuatorianos y al parecer la sintieron amenazada por un instante.

13. Contenido enraizado en respuestas biológicas o fisiológicas o en  la conciencia cognoscitiva de ellas.

Definitivamente la respuesta que generó en los espectadores está enraizada en un consciente colectivo, que es profundamente machista y homofóbico, muy prontamente causó un temor suscitado a tal punto que el argumento para su traslado a otro sitio más recatado se basó en la posibilidad de que los niños se volviesen homosexuales por ver la imagen, activo al parecer el miedo latente en las personas a ser gay.

Análisis general

Este es un claro ejemplo de cómo una obra incluso se puede convertir en un asunto político, cuando me encontraba trabajando en Fundación Ecuatoriana Equidad, recuerdo que la noticia de la censura llegó a nosotros y de inmediato se armó todo un equipo para protestar frente a un hecho tan evidente de homofobia, se realizaron varios cartas de queja, exigiendo una explicación lógica para semejante hecho aparte del de la idea de que la gente se podía “pervertir” al ver la imagen, además de ello se organizó otro grupo para que distribuya la imagen en forma de postal en la ciudad de Quito, así se convirtió en una herramienta visual para sensibilizar a la gente sobre lo perjudicial de la homofobia.

La obra en sí misma estaba destinada a recordar a los otros seres que existen otras realidades, que hay más formas de sentir aparte de le hegemónica, pero al parecer la reacción de la gente fue más allá de lo que se esperaba y develó un problema que se pensaba no era tan grave, de igual manera pienso que la obra se planeó en función de su contexto y por eso se redujo a una forma de expresión afectiva tan simple y a pesar de ello la gente construyó un sentido pornográfico en lo que observaba denotando una vez más como el prejuicio que tenemos sobre lo que no conocemos, nos puede hacer ver incluso “agentes virales”, “bacterias”, “experimentos con la capacidad de alterarlos genéticamente”, “máquinas de control colectivo”, etc., que pueden transmitir lo que ellos denominan una enfermedad.

Es un trabajo autoreferencial y sin embargo es ahí en lo que se vive cotidianamente, que la gente puede observarse a sí misma y causar una empatía o un rechazo, este debe ser el potencial de muchas expresiones artísticas, lograr que el espectador se identifique con lo que pasa en la obra y que de ahí surja una reflexión. 

Antídoto & Exceso, Barragán, Del Capricho al Disparte

Universidad central del ecuador

3 obras de 3 exposiciones

Antídoto & Exceso, Barragán, Del Capricho al Disparte

Gledys Riera Macias

14/12/2011

5to pintura

Ensayo sobre las exposiciones, Antídoto & Exceso en el MCE, Barragán en la PUCE y Del Capricho al Disparate CCM

ANTÍDOTO & EXCESO

Obras de Alejandro Aulestia y Kléver Vásquez

Mi expectativa para con la exposición era muy grande puesto que conocía o por lo menos tenía cierta aproximación a los trabajos de tres de los cuatro artistas, más al encontrarme en la exposición quedé bastante desconcertado puesto que no pude entender gran parte, sino es que todo de la exposición.

Eran discursos bastante difíciles de interpretar y si he de ser sincero, no lo habría hecho de no ser por la explicación de uno de los artistas, lo cual me llevó a la reflexión sobre lo poco que se trabaja en la Facultad de Artes de la UCE, sobre lo moderno y lo conceptual, por lo menos hasta el nivel en el que me encuentro, independientemente de esto pude observar el trabajo plástico realizado en la exposición, sin mencionar que de esta reflexión surgieron nuevas formas de interpretación sobre lo que consideraba conceptual.

Uno de los aspectos más interesantes de la propuesta de Alejandro Aulestía, es el hecho de romper el momento de expectación del autor, el mostrarle una imagen para su devenir para después de un instante re direccionar su observar, es un método muy efectivo para crear dinamismo entre el espectador y la obra, además de que el mensaje tal vez sea más duradero.

De igual manera otro aspecto que me llamó la atención, es la forma de ver las estructuras desde el punto de vista de la penetración masculina, una cadena interminable que no alcanza a cumplir su meta de producción, muy a mi punto de vista no como una referencia sexual sino más bien como una crítica al patetismo del machismo, la jerarquización absurda de lo generacional y la total falta de respeto a lo femenino.

En varios de los trabajos de estos dos artistas, se puede apreciar el fenómeno de la huella que deja el artista, además del de la huella que tiene la imagen, el uso de la pintura, del dibujo, el grabado, como piel literalmente, cargan de contenido simbólico al trabajo y permiten que el espectador cree una empatía aún mayor con las sensaciones y emociones del cuadro, no solo interviene la mirada subjetiva, aquí se manifiesta ya algo objetivo, nuevamente retoman al espectador y lo guían sobre su mensaje.

Para finalizar no dejo del lado el reconocimiento a las propuestas de las instalaciones y los performance, más no podría hablar de ellos debido al hecho de que no pude entender en realidad sobre que trataban y cuál era su objetivo final, lo que más pude apreciar sobre la exposición es el contenido simbólico contemporáneo del trabajo y es la lección que me llevo de ello.

BARRAGÁN

Las obra de Barragán en la escala presentada en esta exposición, nunca han sido de mi agrado en realidad, es su propuesta en escala monumental lo que me llama la atención, el manejo de lo escultórico y la distorsión de las formas no pasan más allá de mis sentidos, más que como elementos decorativos y costumbristas, con ello no quiero decir que desmerezco su trabajo, muy por el contrario su nombre le antecede, pero precisamente creo que es ahí solamente en donde se queda su obra, en el nombre, el contenido simbólico de su trabajo, nunca me ha causado reflexión alguna más que la admiración por un trabajo bien hecho, por ser una experiencia estética visual.

DEL CAPRICHO AL DISPARATE

Conforme pude leer sobre la obra de Goya, observé que su trabajo es precursor del surrealismo, lo cual explica mucho de su trabajo desde el punto de vista de alguien que vive en este siglo, puesto que tal vez en su momento la obra no se denominó de esa manera, ahora, que Dalí sea quién retome su propuesta para llevarlo a un nivel más allá del original, es realmente enriquecedor.

El trabajo fusionado de dos artista de la talla de Goya y Dalí, lleva el contenido de la obra a una nueva lectura en algunos casos y una deconstrucción absoluta del sentido en otras, se hace evidente como ya se gestiona la apropiación artística, como herramienta del arte, no como plagio, sino como tributo o resignificación de algo más trascendental.

El detalle que me pareció más interesante, es como se usa una técnica igual al del original para no crear dos obras en un mismo trabajo, sino muy por el contrario construir un único discurso. Algunos de los grabados originales fueron alterados totalmente en su sentido, como aquellos en los que pesaba la carga erótica o la expresión surrealista explícita, pero sin dejar de lado la esencia original de su creador, es como copiar la huella del artista para usarla a conveniencia, aportando así nuevos contenidos simbólicos que hacen que la obra circule y se mantenga fresca y viva.

Ohhhh sexy yeah...?

Arte y Cultura Contemporánea

	2011
	Universidad Central del Ecuador Gledys Riera Macias

[Ensayo sobre la relación entre la cultura y el arte contemporáneo]

Análisis sobre la interacción entre el arte contemporáneo y la sociedad actual.

Una sociedad desarrollada, con el conocimiento suficiente para entender su pasado y planear su futuro, esta es la manera como yo veo a la sociedad contemporánea. Su lenguaje es la excitación de todos los sentidos, aunque obviamente siente una predilección por la vista, la que considero es herencia de décadas de desarrollo visual, más sin embargo en la actualidad ha empezado por entender a los seres como un conjunto más armónico y más extenso que solo aquello.

Desde las teorías del psicoanálisis, los seres, pasaron a ser considerados como producto de sus propias circunstancias, por ende el mundo de las interpretaciones se vio alimentado de un nuevo sector y de ahora en adelante el pensamiento respecto al cuerpo cambiaría radicalmente, sumado a este detalle el desarrollo tecnológico también cambiaría la forma como nos vemos y como nos relacionamos, abriendo así un abanico casi infinito de posibilidades entre lo que debemos ser y lo que queremos ser.

Tomando un fragmento de la introducción del libro 1900 en la que dice “Pero para Freud y para Lacan los acontecimientos decisivos en la formación del sujeto son escenas visuales”[1], regreso al punto anterior en el que me refería al desarrollo de las imágenes visuales hoy en día, estas, se han convertido en la constante de nuestro diario vivir y han adquirido nuevas formas de expresión en la sociedad contemporánea y es precisamente a través del arte, que se volvieron más poderosas.

El arte en estos días se ha convertido en una herramienta de debate y lucha sobre el derecho a la territorialidad, el cuerpo, la naturaleza, etc., brindando así la posibilidad de que cualquiera pueda encontrar su discurso y se identifique con los otros, o se contraponga a los mismos.

El campo de las ideas ha encontrado en el campo de los materiales una nueva forma de expresión, el óleo, el mármol, han sido remplazados por basura, plástico, vidrio, comida, etc., es aquí donde el verdadero quehacer artístico cobra fuerza e importancia, puesto que la capacidad para lograr la empatía o el total rechazo con el espectador, jamás se había enfrentado ante semejante hecho.

El activismo y la cultura de masas, también sopesarían sobre la forma en que los artistas facturarían su obra, cada detalle sería interpretado con minuciosidad del mismo modo que la cultura lo sería por los antropólogos, las imágenes trascenderían de lo visual a imágenes acústicas, táctiles, etc., convirtiéndose en un producto capaz de dinamizar aún más el mercado del consumo y el desarrollo.

La cultura y el arte se desenvolverían de una manera simultánea, a una evolución de la cultura le sobrevendría una evolución del arte, ambos compartirían su lenguaje, su precio, su ciencia, su potencial, etc., como nunca antes, el arte se introducirían en el campo económico, en el social, en el científico, en el histórico, a raíz de lo cual surgirían creaciones y retos nunca antes pensados.

En el replantear de ideas el artista se daría cuenta de nuevas necesidades internas a expresar, dando paso a lenguajes internos, propios, independientes, sectoriales, colectivos, en fin, una diversidad tan grande como los mismos pensamientos, la ruptura con el pasado sería más que evidente, de la misma manera que buscaba la razón de su ser, buscaba la solución para no serlo, el deseo de independencia sería más fuerte de lo que alguna vez lo fue, lo cual hiba acompañado del nuevo prototipo de ser humano individualista y consumista.

Los objetos ahora vistos como productos, serían reconocibles en medida de su movimiento económico, la compra y venta y en la contraposición a lo que no son, cambiando la forma en la que nos solíamos interrelacionar con ellos y por ende nuestra visión heredada de ellos.

Este detalle en particular a los textos que hemos leído me parece que debe ser rescatado puesto que a mi forma de ver, considero que habla del ser humano entre ellos el artista solo desde el punto de vista del comercio, y por mucho estos textos dejan de lado los otros aspectos trascendentales de nuestra vida, no me permiten ver a los demás en su totalidad, si bien no desconozco que en la actualidad el consumo es más fuerte que nunca e influye de maneras casi impensables, también soy de la idea, de que en el presente todos buscamos nuevas formas de enfoque, que nos lo brinda, la tecnología, la naturaleza, el humanismo, la política, el género, etc.

Si bien ahora la apropiación, el collage, la citación han marcado una nueva pauta en el quehacer artístico, estoy seguro de que se debe a ese replanteamiento de lo que creímos que era y de lo que en realidad es, como nunca he podido percibir que el ser humano busca ese reencuentro con sus otros, muy a pesar de que el capitalismo y sus estudiosos digan lo contrario, según ellos la forma de interrelacionarnos se ha vuelto casi inexistente, inexpresiva, y fría, mas pienso que la realidad se presenta de manera diferente, en el mismo punto de la tecnología puedo ver como esta ha abierto posibilidades nunca antes sospechadas, las distancias ya no son límites, al igual que los recursos, es decir que posibilidades existían en décadas anteriores de que una persona de clase media pueda conversar con su familia en el extranjero a la vez que toma un taller de la universidad de Cambridge y todo esto desde la comodidad de su hogar, algo da vero impensable.

La contemporaneidad implantó un nuevo reto, este es, librarse del pasado, tuvimos que aprender a librarnos del cuerpo, de las formas de ver, de las relaciones como eran, de la forma de interactuar, en fin, implantó un desafío a todo lo que era seguro para nosotros, sería un nuevo comienzo sobre un pilar de más de 5000 años.

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[1][1] 1900, Introducción 1, p.20

Artnívora, Tábara, Bienal de Cuenca

Universidad central del ecuador

Siguiendo a Tábara, Artnívora, Premios de la Bienal de Cuenca

Obras de los artistas Tábara, Tania Lombeida, Pamela Pazmiño, Arcángelo Iannellí, Arnaldo Roche y Magdalena Fernández

Gledys Riera Macias 5to. pintura

26 de octubre del 2011

Análisis de tres obras de las exposiciones del CCM, La Ronda y El Itchimbía.

ARTNÍVORA

No me toques Tania Lombeida Esténcil escarchado sobre muro, plantas y fotografías 2011

Es muy satisfactorio observar como grupos nuevos utilizan técnicas tan contemporáneas como la instalación, eso permite que los que estamos en este proceso de formación artística nos sintamos motivados a incursionar en procesos que se relacionan con nuestro contexto.

Es igual de importante el observar como el espectador reacciona frente a este nuevo tipo de lenguajes, eso nos permite guiar nuestras ideas y canalizarlas de mejor manera según sea el caso.

He escogido esta obra de Tania Lombeida puesto que me llamó la atención el uso de un color tan fuerte como es el dorado, manejado a través de la textura que da la escarcha, en un medio como el nuestro, en el que las iglesias están cubiertas de pan de oro, me parece que esta idea se mimetiza más con nuestros imaginarios culturales.

El uso de estas imágenes y materiales me hace pensar en la representación de lo sacro, la religiosidad como algo sacro, al igual que el arte y sus figuras simbólicas, en ese caso el contenido que proviene de lo verbal como es en este caso el título y las imágenes, juegan con esta idealización de lo bello, lo artístico, lo religioso.

Papa Rosa Pamela Pazmiño Instalación 2011

En este caso la obra de Pamela Pamiño, es una instalación impecable, la creatividad, el juego de luces, el alto contraste y la idea se fusionan de manera armónica para comunicar un mensaje.

El mérito principal me parece que se lo lleva la relación entre la forma de este tubérculo y el tubérculo en sí mismo, esta idea fácil de asociarla con nosotros por la cercanía de su objeto simbólico introduce al espectador de una manera inmediata a su realidad y a su memoria.

Siendo la papa un tubérculo tan trascendental para la historia de nuestro país y la de otros, al entrar al circuito de este lenguaje artístico, adquiere un nuevo significado al convertirse en el corazón de la tierra, de nuestro cuerpo, de una cultura, etc., he aquí una de las principales características que tiene el arte para mí, esa posibilidad de transformar los objetos en símbolos que le dan una forma absolutamente distinta de lectura.

La originalidad de la obra para ser asociada inmediatamente, es lo que más llama mi atención, hace las obras más fáciles para el entendimiento y permite un fluir más natural en la contemplación, otro detalle a destacar, es el uso de materiales alternativos, eso cambia absolutamente la forma en que vemos los objetos, transformándose así lo cotidiano en extraordinario.

TUYO Pamela Pazmiño Instalación 2011

En esta otra obra Pamela Pamiño es muy didáctica al usar la imagen y las palabras para causar una reflexión, aunque no me parezca innovador puesto que la idea suele ser muy usada, si es muy útil como imagen metafórica

En muchas ocasiones el exteriorizar lo que consideramos por sobreentendido es la mejor manera de hacer evidente las problemáticas que nos rodean. Con algo muy sencillo se puede alcanzar mucho es traer la reflexión a partir de lo cotidiano.

El punto negativo de esta obra a mi punto de vista fue su presentación, supongo que se debe al espacio del lugar de exhibición, mas sin embargo eso debió ser considerado antes de su montaje ya que algo así puede quitarle mucho al trabajo, puesto que da la impresión de un total descuido y de un presentar por presentar.
Esta obra es producto del Colectivo La Emancipada, conformado por Pamela Pazmiño, Tania Lombeida, Ibeth Lara

SIGUIENDO A TÁBARA

Tábara Estructura marrón con contornos curvos Óleo sobre tela 1972 200x140cm	Tábara Gran ritual azul Óleo sobre tela 200x180cm	Tábara Milenario No. 2 Óleo sobre tela 1962 55x39cm

Esta exposición a manera de Antología sobre el trabajo de Tábara, creo debería ser situada en un contexto muy diferente del que tenemos ahora, a pesar de la influencia externa en su trabajo se puede evidenciar un toque personal, es decir el aprender para crear algo nuevo. Para los años de ejecución de estos trabajos estoy más que seguro que estas obras debieron ser una novedad. He escogido tres obras de las cuales puedo hablar de manera unísona, puesto que me son muy similares en la sensación estética que me transmiten.

Como primer punto puedo entender de que estamos hablando de la pintura como un lenguaje macro, dentro del cual existen lenguajes particulares y más específicos como el de las formas, el del color, etc., en estas obras ambas juegan el papel protagónico pero desde la abstracción y para un entorno acostumbrado a formas más próximas a la realidad, de seguro resultó ser algo muy por fuera de la común.

Cada cuadro estimula los sentidos de manera armónica diferente como si se tratase de piezas musicales, cada melodía nos creará picos y bajos en nuestro apreciar artístico, nuestras emociones se manifestaran acorde a las percepciones que recibamos. Compositivamente el uso de texturas y formas orgánicas como inorgánicas, crean un juego predominante de luz y sombras, de igual manera el uso de color es más que rico en matices lo cual le da otro punto a la musicalidad de la obra, en fin las obras de Tábara, estimulan visualmente al espectador al crear composiciones con el color, los relieves y las formas.

PREMIOS DE LA BIENALES DE CUENCA

Primer premio Arcángelo Iannellí Vibración en Negro y Azul Brasil

Este obra premiada en una de las primeras bienales, denota a mi punto de vista el proceso que el arte ecuatoriano debió pasar por aquel entonces, aquí puedo evidenciar una clara influencia de Rothko, el trabajo de grandes zonas de color de una manera casi geométrica sin un borde definido, para la bienal debió ser uno de los procesos de transición del color como parte de la forma, al color en sí mismo como un lenguaje.

Posiblemente la abstracción de las formas ya no era un tema nuevo, pero el entendimiento del color como un lenguaje propio, con sus propios movimientos y ritmos si lo era. La sutiliza que se usa en este trabajo al mezclar colores tan fríos crea el dinamismo suficiente para producir que estos colores vibren y mantengan al espectador en tensión.

Desconozco, muy posiblemente a mi aún falta de experticia en el lenguaje pictórico, si la obra tiene otra mensaje interno que vaya más allá del color.

Tercer premio Arnaldo Roche Quema, quemándome, quemado Puerto Rico

El manejo de las ideas a través de lo pictórico es la esencia de la pintura, pero son muy pocas obras las que logran ser tan claras al transmitir esta esencia, esta forma de representación requiere de una sensibilidad especial sobre el material, el color, el gesto, etc., puesto que no es tarea sencilla el transmitir lo que se ve y se siente a través de una pintura.

En este trabajo además puedo apreciar la mímesis de los colores y lo subjetivo de la idea, comprobando así como las sensaciones se pueden transmitir de una manera efectiva a través de lo pictórico, sin mencionar que la forma y la textura, aportan a la parte dramática de la representación.

Se puede llegar a una empatía con la obra, cuando los símbolos que se utilizan en la misma son perfectamente reconocibles por quien la contempla, en este caso yo pude sentir la desesperación y angustia tras esos rostros, la captación de mi ser por unos instantes fue intensa y me dejó la huella de lo que se puede lograr cuando se está dispuesto a escuchar. Es una imagen que domina y somete al espectador.

Premio Magdalena Fernández 2iPM009 Venezuela

Cuando empecé en este proceso de formación artística, uno de los primeros viajes que hice para observar el desarrollo artístico en mi país fue a la décima bienal, en la cual se encontraba esta obra, en aquel entonces me dejó estupefacto y esta vez pude observar que esa sensación aún permanecía en mí.

En aquel entonces lo impresionante, creativo y novedoso de este trabajo me hicieron apreciar de sobremanera el quehacer artístico, y si la obra anterior para mí es un claro ejemplo de cómo alguien puede ser atrapado por una imagen visual, esta es por mucho más poderosa que muchas de las obras que he visto, es el uso de la imagen visual y acústica a otro nivel, me abre tantas posibilidades de cómo se puede tocar a alguien y transformar su cotidiano en algo extraordinario.

Muchas de las obras en la actualidad recurren a imágenes violentas y agresivas para sacar al espectador de su rutina, más he aquí, como se puede hacerlo de otras maneras, en un mundo saturado de estímulos visuales nocivos, considero yo, que es más que prioritario encontrar nuevas formas de expresión que sensibilicen a las personas y desnaturalicen la violencia.

Como espectador me sentí parte de la obra, los estímulos visuales penetraron en mi subjetividad en aquel entonces y me los refrescaron esta vez, siento en esta obra un aire de nobleza e imponencia, es la forma en que me hacer ver lo diario como algo único e irrepetible, este manejo de lo táctil a través de lo visual es sin lugar a dudas lo que me deja perplejo, es una reasimilación de los símbolos que me permite sentir lo que antes no podía.

Bibliografía

Visita a la exposición Siguiendo a Tábara en el Centro Cultural Metropolitano de Quito

Visita a la exposición Artnívora en la Casa de las artes de La Ronda

Visita a la exposición de la obras premiadas de la Bienal de Cuenca en el Centro Cultural Itchimbía.